인상주의 곡 음색 표현, 몽환적이면 다 된다는 오해를 깼다

드뷔시 베르가마스크 모음곡

오늘 분석해 볼 곡은 드뷔시의 베르가마스크 모음곡 중 「프렐류드」입니다. 최근 교수님께서 이 곡을 과제곡으로 주시면서 인상주의 음악에 대해 공부해 보라고 하셨는데, 처음에는 어떤 음색으로 연주해야 하는지 갈피를 잡지 못해 어려움을 겪었습니다. 특히 교수님께서 제가 만든 음색이 인상주의 시대에서 원하는 소리가 아니라고 말씀하실 때마다 어떤 소리를 만들어야 할지 고민을 많았습니다.

1. 인상주의 곡, 음색이 먼저였다

저는 보통 피아노 곡을 연주할 때 테크닉이 어느 정도 완성된 다음에 음색을 잡아야 곡일 완성된다고 생각합니다. 하지만 인상주의 곡은 조금 다르게 접근해야 했습니다. 곡을 처음 볼 때부터 음색을 함께 생각해야 한다고 느꼈습니다. 제가 생각하는 인상주의 음악 음색은 또렷하고 선명한 소리보다는, 구름 위에서 들을 법한 두루뭉술한 소리를 표현하는 것이었습니다. 처음 교수님께서 인상주의 시대의 곡은 이렇게 연주해야 한다며 직접 시범을 보여주셨는데, 그 시범을 보면서도 어떻게 연주해야 할지 갈피를 잡지 못했습니다. 지금까지 제가 쳐왔던 피아노 소리와는 완전히 다른 음색이었기 때문입니다. 그래서 레슨이 끝나자마자 다음 레슨 시간까지 어떻게 하면 인상주의 음악에 어울리는 음색을 만들 수 있을지 계속 고민했습니다. 레슨을 받을 때도 교수님께서 제가 만든 소리를 들으시고 계속해서 아니라고 말씀하셔서 굉장히 애를 먹었던 기억이 있습니다. 음색을 잡는데만 2~3주가 걸렸고, 그 기간 동안 맹리 최소 2~3시간씩 연습하면서 교수님께 계속 질문을 드렸습니다. 교수님 앞에서 여러 방법으로 연주도 해보았지만 계속 아니라는 답을 들으면 처음부터 다시 고민해야 했습니다. 그럴 때마다 '내가 어디서부터 잘못되었길래 계속 아니라고 하실까?'라는 생각이 들었습니다. 제가 잘못된 방법으로 연주하고 있다는 것은 인지하고 있었지만 정확히 어디가 잘못되었는지는 알 수 없었기 때문에, 교수님을 붙잡고 계속 질문하면서 하나씩 해결해 나갔습니다. 그렇게 2~3주 동안 계속 소리에 대해 연구하고 연습한 끝에, 어느 날 교수님께서 제가 연주하는 소리를 듣고 "소리를 이렇게 내면 된다."라고 말씀해 주셨습니다. 저는 그때 '아, 인상주의 곡을 칠 때는 이런  소리를 내면 되는구나'라고 깨달았습니다.

2. 몽환적이면 다 된다는 오해

처음에 저는 인상주의 음악이라고 하면 무조건 몽환적이고 두루뭉술한 소리로 연주하면 된다고 생각했습니다. 하지만 실제로 인상주의 곡을 연습해 보니 그것이 정답은 아니었습니다. 어느 정도는 음이 깔끔하고 선명하게 내는 것도 할 줄 알아야 하며, 그 안에서 몽환적인 음색을 만들어내는 것이 중요했습니다. 또한 모든 소리를 두루뭉술하게 만드는 것이 아니라, 깔끔하게 내는 소리와 몽환적으로 내는 소리를 머릿속에서 명확하게 구분하고 상황에 맞게 적절한 음색을 낼 수 있어야 했습니다. 처음에는 음색에 대한 갈피를 잡지 못했기 때문에 '인상주의니까 그냥 두루뭉술하고 몽환적으로 치면 되겠지'라는 생각으로 연습했습니다. 하지만 연습 중간중간 녹음을 하고 유튜브에 올라와 있는 여러 피아니스트들의 연주와 비교해 보니 제가 치고 있는 소리는 피아니스트들이 치는 소리와 전혀 다른 소리였습니다. 그래서 한 번은 반대로 모든 음을 최대한 깨끗하고 선명한 소리로 내보자는 생각을 하게 되었습니다. 그렇게 깨끗한 소리를 먼저 만들어 놓고, 그다음에 제가 처음에 생각했던 몽환적인 음색을 섞어보자는 결론을 내렸습니다. 결과적으로 이 방법으로 연습한 것이 제가 원하는 음색을 찾는 데 큰 도움이 되었고, 실제로 제가 원했던 소리에 한 발자국 더 다가갈 수 있었습니다. 그때 저는 인상주의 음악이라고 해서 모든 음을 몽환적이고 두루뭉술하게 연주하는 것도 아니고, 그렇다고 모든 음을 깨끗하고 선명하게 연주하는 것도 아니라는 것을 깨달았습니다. 두 가지 소리를 곡의 흐름에 맞게 조화롭게 연주하는 것이 중요했습니다. 그리고 이 과정에서 유튜브에 올라와있는 피아니스트들의 연주 영상이 좋은 학습 자료가 될 수 있다는 것을 알게 되었습니다. 여러 피아니스트들의 연주를 하나씩 들어보고 서로 비교하면서 '이 피아니스트의 어떤 장점을 내 연주에 적용할 수 있을까?'를 고민하는 과정이 제 연주를 발전시키는데 도움이 되었습니다. 저는 이렇게 같은 곡을 연주하더라도 다른 해석을 하는 여러 연주를 들으면서 나만의 소리를 찾아갈 수 있었습니다. 이러한 과정 역시 곡을 완성해 가는 중요한 출발점이라고 생각합니다.

3. 깔끔함과 몽환, 페달로 구분했다

처음에는 일단 건반 자리를 익혀야 하기에 또박또박 한 음 한 음 치는 연습부터 시작하였습니다. 그 뒤로 어느 정도 자리를 익힌 뒤에는 음색 연습을 바로 들어갔는데 그때 선생님께 매일 레슨을 받으며 이 음색으로 치는 것이 아니다는 지적을 많이 받았습니다. 그런 말을 들었을 때는 나는 분명히 맞게 친 거 같은데 왜 선생님은 아니라고만 하시지?라는 의문만 가득하였습니다. 하지만 시간이 지나고 나니 왜 그런 말씀을 하셨는지 이해가 되었습니다. 당시 저는 인상주의 시대 곡을 처음 쳐 보아서 아무 생각 없이 풀페달로만 계속 페달을 밟았습니다. 하지만 풀페달로 밟는 것이 마냥 정답은 아니었습니다. 곡을 칠 때 풀페달로 밟아야 하는 곳은 풀페달로 밟고 조금 깨끗하게 쳐야 하는 부분은 원래 밟았던 것처럼 2분의 1 페달만 밟아야 하는 것이었습니다. 저는 이 차이를 깨닫고 음색 표현에 대한 감을 확실히 잡을 수 있었습니다. 몽환적인 부분에서만 풀 페달을 밟고 소리가 더럽다고 느껴지지 않는 선에서 계속 페달 조절을 하면서 페달의 깊이를 조절해야 하는 것이었습니다. 음색을 잡은 뒤 테크닉적으로 안 되는 부분을 연습하였는데 테크닉 부분을 연습할 때는 붓점, 반 붓점, 셋잇단, 반셋잇단 등 할 수 있는 연습이란 연습은 다 총동원해서 소리를 고르게 만들었습니다. 그랬더니 그 이후에 테크닉이 부족하다는 소리를 들은 적이 없습니다. 테크닉까지 모두 해결되자 선생님께서는 곡에 대한 분석과 연구를 아주 잘해왔다는 칭찬을 들을 수 있었습니다.

선생님께 이런 칭찬을 듣고 나니 기분은 하늘을 날아갈 듯이 좋았고 앞으로 더 열심히 해야겠다는 욕구가 샘솟았습니다. 그리고 앞으로 이렇게 치면 되겠구나라고 감을 확실히 잡았습니다.